Необычные картины художников

Скрытые «таланты» скотча

Макс Зорн, житель Амстердама, нашел креативное применение скотчу — он сделал его основным материалом для создания своих картин. Слой за слоем накладывая полосы скотча на поверхность из оргстекла и мастерски орудуя лезвием, художник в буквальном смысле вырезает лица людей, деревья, небоскребы и мосты, в точности повторяя «исходники».

Цветовой фон его работ остается неименным — только черные, коричневые и белые цвета, дополняющие и оттеняющие друг друга. В результате получаются такие себе сюжеты из комиксов или черно-белые фотографии в стиле ретро. Картины можно смело причислить к категории арт-искусства, поскольку ими часто украшаются уличные фонари, витрины и фасады домов.

«Кованые» картины

Смотря на картины Сергея Ковалева складывается впечатление, что они написаны не масляными красками, а выточены из металла

Авторская техника белорусского мастера привлекает внимание необычным художественным видением, игрой сета и постановкой композиционных элементов. Для воплощения творческого замысла художнику не требуется «тяжелая артиллерия» в виде наковальни, молота или щипцов

Достаточно холста, кисточек и набора специальных скребков, чтобы образы, возникшие в его голове, ожили на рабочем полотне.

Картины получаются рельефными, что еще больше придает им схожесть с чеканкой. Не случаен и выбор оттеночной гаммы, которая выдержана в золотисто-коричневой и медной колористике. Лица и фигуры, «выточенные» на холсте, кажутся объемными и живыми, а монохромность цвета только усиливает это ощущение. От работ художника веется романтизмом и душевностью. Но при этом они выглядят очень современно и оригинально.

«Обратное граффити»

Paul «Moose» Curtis

Как и рисование на грязных машинах, «обратное граффити» предполагает создание картины с помощью удаления лишней грязи, а не с помощью добавления краски. Художники часто используют мощные моечные установки, позволяющие удалить грязь со стен, и в процессе создать прекрасные образы. Началось всё это с художника Пола «Муза» Кертиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.

Paul «Moose» Curtis

Другой заметный художник — Бен Лонг из Великобритании, он практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.

Ben Long / mediacentre.kallaway.co.uk

Следует отметить, что «обратное граффити» — искусство достаточно спорное. У того же Кертиса, например, уже было несколько стычек с полицией, которые он сравнивает с «арестом человека, ковыряющегося палкой в песке».

Марк Пауэлл

Работы австралийца Марка Пауэлла шокируют по-настоящему сильно. Его шоу 2012-го года представляет собой ряд композиций, в которых фантастические существа эволюционируют, пожирают и выделяют друг друга из собственных тел, размножаются и распадаются. Текстуры существ и окружающая обстановка чрезвычайно убедительны, а язык тела фигур точно подобран, чтобы ситуации выглядели как можно более обычными — а значит, и убедительными.

Разумеется, интернет не мог не отдать художнику должное. Вышеупомянутая «SCP Foundation» взяла отвратительного монстра с изображения выше и сделала его частью истории под названием «Плоть, которая ненавидит». Также с его работами связаны многие ужасные истории.

Бэнкси (Великобритания)

Этого граффитиста не знает никто и в то же время знает весь мир. Бэнкси известен как раз своей неизвестностью. Художник живёт, вот уже много лет удивительно эффективно скрывая свою личность. Несмотря на это, он оставляет свои работы на стенах домов по всему миру, проникает на закрытые военные территории и даже открывает отель в районе Сектора Газа с «худшим видом на свете».

Произведения Бэнкси — это высмеивание шаблонов, стереотипов и потребительской культуры нашего времени. То его картины самоуничтожаются прямо после продажи на аукционе. То он оставляет граффити, которые закрашивают как акт вандализма, а потом именно закрашивание его работ признается обществом как вандализм.

Бэнкси спонсирует спасение беженцев из Африки, открывает свой собственный анти-Диснейленд — «самый худший парк в мире». В нём Золушка выпадает из кареты под колеса, а на лодочке по реке катаются не дети, а беженцы в поисках спасения. Анонимный активист выпускает собственные фильмы и по-прежнему оставляет граффити на стенах, которые моментально становятся шедеврами стрит-арта. И даже самоизоляция 2020 года не остановила художника: за неимением привычного «холста» в виде городских улиц, Бэнкси разрисовал собственную ванную комнату.

Art: Jeff Koons «Gazing Ball, Ariadne» (2013)

Фрэнк Стелла

США

View on Instagram

Яркие разноцветные и черно-белые полосатые полотна – таким представляется творчество этого американского художника. Его живопись можно назвать абстрактным экспрессионизмом. Работы Стеллы геометричны, а большую роль играет линия. Полосы разных оттенков образуют разнообразные фигуры – чем-то напоминает оптические иллюзии, когда что-то вертится, крутится, переплетается и движется. Одни картины будто уходят вглубь холста, продолжаются где-то там, внутри, вдали от зрители. Другие, напротив, выскакивают на смотрящего, отличаются визуальной объемностью. Кроме привычных прямоугольных форм встречаются и фигурные холсты – например, в виде букв английского алфавита. В художественных материалах фантазии художника нет границ. Его инструментами становились проволочная сетка, части стальных труб, автомобильная краска, алюминий, стекловолокно, в конце концов – технология 3D-печати. Разнообразны и сами подходы к созданию полотен: в их числе гравюра, литография, трафаретная печать и травление. Работы Фрэнка Стеллы можно найти в коллекциях музея искусств Метрополитен в Нью-Йорке, музея Кунста в Базеле, Чикагского художественного института, Национальной галереи искусств в Вашингтоне (округ Колумбия) и галереи Тейт в Лондоне.

View on Instagram

Девочка с воздушным шаром

Художник: Бэнкси

Год: 2002

Девочка с воздушным шаром (2002) — Бэнкси

На этом граффити изображена маленькая девочка, волосы и платье которой развеваются на ветру. Она протягивает руку, чтобы схватить нить своего красного шара в форме сердца, который унесло ветром. Изображение девочки Бэнкси с воздушным шаром неоднократно использовалось на принтах, футболках, в качестве татуировок и т. д. Певец Джастин Бибер сделал татуировку на основе рисунка. В феврале 2014 года Sincura Group удалила фреску из магазина в восточном Лондоне и продала ее за 500 000 фунтов стерлингов. В ноябре 2015 года репродукция картины была продана на аукционе за 56 250 фунтов стерлингов, что более чем вдвое превышает оценочную стоимость. В 2017 году в опросе Samsung, проведенном для 2000 человек из Соединенного Королевства изображение Бэнкси девочки, выпускающей воздушный шар в форме сердца, было признано самым любимым произведением искусства в стране. Девочка-воздушный шар, созданная самым известным художником-граффити, является самым известным граффити-искусством в мире.

Герхард Рихтер

Германия

Его полотна уходят с молотка за несколько десятков миллионов долларов. А в прошлом году в прокат вышел фильм «Работа без авторства», посвященный этому немецкому абстракционисту. Кинолента получила премии «Оскар» и «Золотой глобус» за лучшую картину на иностранном языке. Так что же создает Герхард Рихтер? Художник пробовал работать в разных жанрах. На его счету и картины в стиле рекламных плакатов с надписями поверх изображений, и перформансы, и минималистичные монохромные серые прямоугольники, и в конце концов цветные абстракции. Для последних, кстати, он брал за основу серый цвет, к которому относится по-особенному. С помощью него автор выводил разные оттенки зеленого, красного, желтого, синего. Работа с цветом и эксперименты с этим «художественным языком» – важная часть творчества Рихтера. Краски на полотнах немецкого абстракциониста смешиваются, накладываются, соединяются, проникают пятнами друг в друга. Где-то это многочисленные цветные мазки, а другие картины напоминают экранные помехи. 

View on Instagram

Его полотна хранятся в коллекциях парижского Центра Помпиду, галереи Тейт Модерн в Лондоне и MoMA в Нью-Йорке, а витраж украшает Кельнский собор в родной Германии. Кроме того, на Венецианской биеннале в 1972-м году впервые весь павильон страны был отдан одному художнику – им был Рихтер. 

View on Instagram
View on Instagram

Уэйн Барлоу

Тысячи художников пытались изобразить Ад, но Уэйн Барлоу в этом явно преуспел. Даже если вы не слышали его имени, то работы наверняка видели. Он принимал участие в работе над такими фильмами, как «Аватар» Джеймса Кэмерона (режиссёр лично его похвалил), «Тихоокеанский рубеж», «Гарри Поттер и узник Азкабана» и «Гарри Поттер и Кубок Огня». Но одной из самых выдающихся его работ можно назвать вышедшую в 1998-м году книгу под названием «Инферно».

Ад у него — не просто застенки с демоническими лордами и армиями. Барлоу говорил: «Ад — это полное безразличие к человеческим страданиям». Его демоны часто проявляют интерес к человеческим телам и душам и ведут себя скорее как экспериментаторы — игнорируют чужую боль. Люди для его демонов — вовсе не объекты ненависти, а просто средство для праздного развлечения, не более того.

Влияние картин современных художников на людей

Как же влияет современное искусство на нас? Если вы вдумаетесь, то искусство окружает нас везде. Оно не только в музеях и галереях, но и на улице – на рекламных щитах и на домах, оно в городских или морских пейзажах, во дворах многоэтажных серых зданий и залитых солнцем вилл. Чтобы его увидеть – нужно смотреть и нужно чувствовать. И чувствовать – это главное, чему нас учат картины современных художников.

Чтобы их понять, нужно отключить всю свою рациональность и предвзятость и вывести на передний план свои эмоции и чувствительность, о которых мы так часто забываем

Научиться видеть красоту и смысл во всем, даже в полотне, на котором изображены непонятные фигуры или странные мазки, — самое важное, что мы можем взять от современного искусства

С ним мы также учимся эмпатии. Чтобы понять картину, нам нужно узнать ее историю, замысел художника, его эмоции. Уже после этого, когда мы прочувствуем это все и пропустим через себя, тогда мы сможем сделать свои собственные выводы и подумать, с какими событиями, чувствами или ощущениями из нашей жизни все это можно связать.

Современное искусство особенно сильно влияет на нашу способность думать. Согласитесь, бывает очень непросто догадаться, что же хотел сказать художник. И нам приходится рассуждать, рассматривать разные варианты и делать выводы, пусть даже иногда и не всегда правильные.

В конце концов, современные произведения искусства заставляют нас смотреть на все под другим, непривычным, углом. Они дают понять, что нельзя делить мир только на черное и белое, а искусство – на хорошее (высокое) и плохое. Все далеко не так просто, и часто за тем, что кажется простым и даже примитивным на первый взгляд, стоит огромный смысл, который невозможно осознать и принять, если не посмотреть на все под непривычным углом (вспомним «Черный квадрат» Малевича).

Современное искусство прекрасно в своем многообразии и необычности. И прежде, чем говорить: «Да мой маленький ребенок нарисует лучше», дайте шанс произведениям рассказать о себе и стать ближе и более понятными.

Тени в искусстве

Kumi Yamashita

Тени по своей природе мимолётны, так что трудно сказать, когда люди впервые начали использовать их для создания произведений искусства. Но современные «теневые художники» достигли невиданных высот в использовании теней. Художники используют тщательное позиционирование различных объектов для того, чтобы создавать красивые теневые образы людей, предметов или слов.

Kumi Yamashita

Наиболее заметные художники в этой области — Куми Ямашита и Фред Ердекенс.

Fred Eerdekens Fred Eerdekens Fred Eerdekens Fred Eerdekens

Конечно, у теней несколько жутковатая репутация, и многие «теневые художники» используют в своих работах тематику ужасов, разрухи и городского упадка. Этим славятся Тим Нобл и Сью Вебстер. Самое известное их произведение называется «Грязный белый мусор», в котором мусорная куча бросает тень на двух людей, которые пьют и курят. В другой работе видна тень птицы, возможно, тень ворона, который клюёт пару отрубленных голов, насаженных на колья.

Tim Noble & Sue Webster Tim Noble & Sue Webster

Патриция Пиччинини

Скульптуры Пиччинини порой сильно отличаются друг от друга: одни скульптуры представляют собой мотоциклы неправильной формы, другие — странные шары с горячим воздухом. Но в основном она создаёт скульптуры, стоять с которыми в одной комнате очень и очень неуютно. Они даже на фотографиях выглядят жутковато.

В работе 2004-го года «Неделимый» некий гуманоид прижимается к спине нормального человеческого ребёнка. Больше всего тревожит элемент доверия и привязанности — как будто невинность ребёнка жестоко использовали ему во вред.

Конечно, работы Пиччинини критикуют. Про «Неделимого» даже говорили, что это не скульптура, а некое настоящее животное. Но нет — это просто плод её воображения, и художница продолжает создавать свои работы из стекловолокна, силикона, и волос.

Ирина Корина

View on Instagram

В портфолио Ирины Кориной есть привычные холсты с акрилом или маслом, но, кажется, узнают ее не по ним. Чаще всего работы этой художницы выполнены в смешанной технике. Это очень фактурные, объемные арт-объекты, в них использовано одновременно несколько разных материалов – ткань, металл, дерево, пластик. Кроме того, в одной инсталляции могут сочетаться сразу множество узоров – тут и советский ковер, и цветочек, и клетчатая сумка. Ее работы выглядят как живые – их хочется разглядывать подольше, изучать. И все время ждешь, что вот-вот они зашевелятся или заговорят. Интерес к фактуре и декорациям у автора неспроста – Ирина Корина окончила ГИТИС, получив образование художника сцены. Отсюда и вдохновение разнообразными материалами и формами. Художница принимала участие в Венецианской биеннале и выставке в центре современного искусства «Винзавод». Ее арт-объекты экспонировались не только в Москве, но и в Лондоне, Берлине, Нью-Йорке, Брюсселе и Антверпене.  

Новое прочтение

В глазах многих людей американский художник Майк Стилки выглядит настоящим провокатором. А как по-другому, ведь он позарился на самое ценное, что есть в жизни — книги. Именно их креативный новатор использует в качестве основы для своих картин. Не традиционные холсты, не деревянные оправы, не бумага, а книжные корешки стали полем для творчества и воплощения смелых художественный идей.

На выпады критиков Майк отвечает улыбкой, считая себя своеобразным «санитаром», спасающим мир от кучи пыльного библиотечного мусора. Он складывает книги в аккуратные стопки торцом наружу, а затем использует на образовавшемся «поле» разные техники. Главными рабочими инструментами служат цветные карандаши, краски на разной основе, а также лак для закрепления изображения. Впечатляют и сюжеты произведений: портреты в духе немецкого импрессионизма, необычные животные, городская графика, love story.

Рисование частями собственного тела

Не только художники, использующие телесные жидкости, находятся сейчас на подъёме. Также набирает популярность использование частей собственного тела в качестве кистей. Взять хотя бы Тима Патча. Он больше известен под псевдонимом «Прикассо», который он взял в честь великого испанского художника Пабло Пикассо. А ещё он известен тем, что использует собственный пенис в качестве кисти. Этот 65-летний австралиец вообще не любит себя ни в чём ограничивать, так что помимо пениса он также использует для рисования ягодицы и мошонку. Этим необычным делом Патч занимается уже более 10 лет. И его популярность растёт год от года.

Тим Патч / www.nydailynews.com

А Кира Айн Варседжи использует собственную грудь для того, чтобы рисовать абстрактные портреты. Хотя её часто критикуют, она, тем не менее, остаётся полноценным художником, который работает ежедневно (картины она также пишет и без использования груди).

Кира Айн Варседжи / en.geourdu.co

К другим художникам в этой странной области искусства относится Ани К, рисующий языком, и Стивен Мармер, школьный учитель, рисующий собственными ягодицами.

Ани К / www.tu-tu-tu.comСтивен Мармер / www.styleweekly.com

Татьяна Ахметгалиева

View on Instagram

Работы Тани Ахметгалиевой – это графика, видео, инсталляции, но главное – текстильные панно. Материал, который использует художница из картины в картину, – нити, часто красные. Ими автор вышивает, они могут выходить за пределы полотна, путаться в клубки, создавать объем, соединять фигуры и объекты. И вероятно, эти нити – масштабная метафора взаимоотношений человека со всем на свете – с собой, с другими людьми, с работой, с новыми технологиями, с искусством и многим другим. Вот, например, целая конструкция из телевизоров, вместо экранов – цветные нити. Где-то они путаются, где-то соединяют устройства друг с другом. Арт-объекты Татьяны Ахметгалиевой экспонировались в России и Финляндии, кроме того, она принимала участие в Венецианской биеннале.

View on Instagram
View on Instagram

AES+F

View on Instagram

Строго говоря, эти ребята – не художники в традиционном понимании. Это междисциплинарная творческая группа. То есть их арт-объекты – это и инсталляции, и фото, и видео, и скульптуры, и что-то еще или даже все сразу. Дело в том, что каждый участник так или иначе связан с разнообразными направлениями в искусстве. Татьяна Арзамасова и Лев Евзович занимались архитектурой, Евгений Святский – графикой и плакатом. А Владимир Фридкес работал в индустрии модной фотографии – и крайне успешно, он сотрудничал с Vogue, Harper’s Bazaar, Elle и многими другими журналами. За плечами художников несколько десятков персональных выставок не только в России, но и в Европе и США. Например, этим летом в Москве прошел виртуальный перформанс по мотивам спектакля британской писательницы – каждый гость становился его участником. АЕС+Ф часто обращаются к искусственной реальности и использованию цифровых технологий в своем творчестве.  

View on Instagram
View on Instagram

Бонус: самое точное определение современного искусства

Про современное искусство говорят очень много и все вокруг: от его поклонников и противников до самих художников и критиков. Но, кажется, одно из лучших его определений принадлежит философу и искусствоведу Борису Гройсу: «Если искусство выглядит как искусство, следовательно, перед нами не искусство, а кич. Если искусство выглядит как неискусство, то это просто неискусство. Чтобы быть признанным как искусство, искусство должно выглядеть как искусство и как неискусство одновременно».

А если вы хотите еще больше окунуться в современное искусство, создайте событие на invme, найдите себе компанию и отправляйтесь на знакомство с прекрасным вместе.

Джули Мерету

Родом из Эфиопии, живет в США

Абстрактная живопись Мерету напоминает ураган линий вместе со взрывом цвета – и иногда еще геометрических фигур. Кажется, вся суета мира, все стремительные изменения в обществе и в людях, связь пространства и времени – все это нашло отражение на полотнах Джули. За счет графических элементов поверх калейдоскопа красок художница достигает удивительного пространственного эффекта – зритель сам попадает в гущу событий, в центр абстракции. Тем более если учесть, что формат полотен этой художницы огромен. Размер самой большой работы Мерету – 24 на 7 метров. Вдохновение автор черпает из архитектуры и городских пейзажей. В ее абстрактных картинах все же можно разглядеть этот самый город – например, очертания зданий и людей. Напоминает ребус – абстракции Джули действительно можно разгадать (или хотя бы попытаться).

View on Instagram

Ее картины продают на аукционах за миллионы долларов. Она создала крупный мурал в вестибюле небоскреба Goldman Sachs (США). А в 2020 году Джули Мерету вошла в список 100 самых влиятельных людей по версии американского журнала Time. 

View on Instagram
View on Instagram

Багровые полотна

Виниций Кесада прославился тем, что рисует свои картины кровью. Причем забор «материала» делается только из своих вен, для чего он каждые два месяца ходит в больницу. В его распоряжении оказывается 450 мл крови, поэтому количество картин в коллекции художника пока невелико. Чтобы восстановить силы, маэстро вынужден был временно приостановить свою творческую карьеру в 2016 году, но это совершенно не значит, что дело не будет продолжено.

Такое искусство стало для многих шоком. С одной стороны, нельзя не отметить профессиональное мастерство, с которым Кесада творит свои шедевры, с другой — необычный способ создания картин вызывает непроизвольное отвращение. Внутри зрителя происходит борьба, что еще больше усиливает эффект от просмотра выставки. К тому же художник признается, что использует также и мочу для получения разных оттенков красного.

«Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря»

Раз в начале речь уже зашла о живописи, в которой оптическая иллюзия стала неотъемлемым элементом композиции, где, как в работах художника Шупляка, изображенное дерево способно предстать одновременно абрисом головы, а листья — превратиться в воробья на ветке, нельзя забывать и о Сальвадоре Дали. Этот испанец стал первым представителем близкого к сюрреализму стиля метаморфоз, нашедшего отражение не только в живописи и графике мастера, но и в созданных им скульптурах.

Отдельный интерес представляет написанное маслом полотно Дали со своеобразным названием «Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря», полностью, однако, отражающим суть происходящего на картине безумства преображений. Зритель видит на первый взгляд обычный натюрморт, где в центре композиции расположена белая ваза с фруктами. Ее ножка внезапно предстает в качестве переносицы гротескного, но красивого человеческого лица, сверху очерченного то ли волосами, то ли песчаным пляжем, а то и вовсе горной грядой с расположенным у подножья городом. Приглядевшись, внимательный ценитель живописи найдет на полотне еще и пару собак.

Позднее по «пути метаморфоз» в творчестве пошел и мексиканец Октавио Окампо, прославившийся собственными картинами-загадками в жанре сюрреализм.

Джунджи Ито

К вопросу о коммерческих художниках: некоторые из них рисуют комиксы. В деле хоррор-комиксов Джунджи Ито — чемпион. Его монстры не просто гротескны: художник тщательно прорисовывает каждую морщинку, каждую складку на теле тварей. Именно это пугает людей, а вовсе не иррациональность монстров.

Например, в его комиксе «Загадка Амигары Фолт» он раздевает людей и отправляет их в человекообразное отверстие в твёрдой скале — чем ближе мы видим это отверстие, тем страшнее, но даже «издали» оно кажется пугающим.

В его серии комиксов «Узумаки» («Спираль») есть одержимый спиралями парень. Сначала его одержимость кажется смешной, а потом уже страшной. Причём страшно становится ещё до того, как одержимость героя становится магией, с помощью которой он превращает человека в нечто нечеловеческое, но при этом живое.

Работы Ито выделяются среди всей японской манги — его «нормальные» персонажи выглядят необыкновенно реалистичными и даже милыми, и чудовища на их фоне кажутся ещё более жуткими.

Немецкий художник Георг Базелиц

Георг Базелиц (Georg Baselitz) родился 23 января, 1938 года в городе Каменц, коммунальной общины Дойчбазелиц. От места своего рождения и происходит творческий псевдоним художника, настоящие имя которого Ханс-Георг Керн. Современный художник учился в Высшей Школе искусств в Восточном Берлине. Однако в 1957 году был исключен из-за незрелости политических взглядов. Переехав в ФРГ, Георг Базелиц все же получил высшее образование и закончил аспирантуру в области изящных искусств в 1962 году. В этот же период он официально сменил фамилию на Базелиц. Первую свою персональную выставку Георг провел в 1963 году. Его работа «Большая ночь в канаве» вызвала неоднозначную критику и немецкого художника обвинили в творческой непристойности. На данный момент эта необычная картина находится в музее Людвига в Кельне, Германия.

Самым узнаваемым стилем и техникой живописи художника являются перевернутые абстрактные фигуры в его картинах, которые он начал рисовать с 1969 года. В это же время Базелиц приступил к созданию масштабных скульптурных инсталляций из окрашенного дерева. Георг Базелиц является современным абстрактным художником, который пытается реабилитировать это направление живописи, вводя в сюжеты своих работ более узнаваемые фигуры и образы. Он использует нарочито грубый стиль, напоминающей по своей технике некоторые работы психологического кубизма Джорджа Кондо, но отличающийся от последнего явно выраженным экспрессионизмом.

«Девушки из Олмо II», 1981, масло, холст
«Ухмылка Гринберга», 2013, масло, холст
«Пожиратель апельсинов», 1981, масло, холст
«Очень большой Франц Пфорр», 2006, масло, холст

Александр Косолапов

View on Instagram

Профиль Владимира Ленина рядом с логотипом Coca-Cola или Макдоналдса, Malevich вместо Marlboro на упаковке сигарет – все это работы Александра Косолапова. Его творчество пронизано иронией, художник переделывает и объединяет известные сюжеты из советской культуры с современными или зарубежными образами. Тут Микки-Маус на ордене Ленина, тот же персонаж вместо рабочего держит молот, пока Минни-Маус заменяет колхозницу с серпом, а пещерный человек изображен на фоне портрета вождя революции. Кстати, корпорация Coca-Cola в 1980-е была недовольна той самой картиной «Ленин и Coca-Cola». Сейчас же полотна Александра Косолапова хранятся не только в ведущих российских галереях, но и в музеях США, Австрии, Франции, Швейцарии и некоторых частных коллекциях. Несмотря на то что активная выставочная деятельность художника приходится на 1990-е, в 2017–2018 годах в Московском музее современного искусства проходила ретроспектива «Ленин и Coca-Cola», а работы Косолапова до сих пор популярны и узнаваемы.

Вероятно, вам также будет интересно:

8 выставок, на которые нужно успеть ноябре

12 фильмов о художниках и скульпторах, которые вдохновляют

Понюхайте искусство: как запахи влияют на память и эмоции

Как Джеймс Стант обманул королевскую семью и стал миллионером

Сальвадор Дали (BD Barcelona)

Мастер сам проектировал меблировку для сада своего жилища в городе Portlligat, а в 30-е годы подружился с другим архитектором Jean-Michel Frank и воплотил вместе с ним некоторые невероятные изделия.

На фотографии представлен интересный портрет испанского живописца и скульптора Salvador Felipe Jacinto Dalí.

Некоторые уникальные авторские произведения были изображены на его полотнах, но воплощенными в жизни стали уже после смерти творца по задумке художника Óscar Tusquets.

В настоящее время их выпуском занимается бренд BD Barcelona

Обратите внимание на следующую картину, на которой запечатлен статный женский силуэт с нежными розами на голове

Salvador Dalí проявил свой внутренний мир и воображение и в модной области. Его мастерство и талант хорошо проявляются на эскизном рисунке фантастической шляпки с силуэтом туфельки, которую он смастерил для французского модельера Elsa Schiaparelli.

Оригинальный стульчик Leda с грациозным силуэтом, тончайшей великолепной спинкой и ножками, обутыми в шпильки – еще одно изделие творчества Дали.

Дополнить мебельный гарнитур предыдущей модели может столик Leda, оформленный в аналогичной стилистике. Необычная опора, олицетворяющая утонченное женское запястье и красивую ножку, сможет выдержать изысканную конструкцию мебели.

Диванчик Vis-à-vis de Gala в ярко-розовой оттеночной палитре дополнен золотистой металлической окантовкой, пластично окутывающей его форы, сможет поразить ваше воображение.

Бордовый диван Dalilips в облике чувственных губ американской актрисы Mae West Сальвадор придумал в начале 70-х годов прошлого века в творческом союзе с Óscar Tusquets.

Интересная настольная лампа Cajones, обладающая сюрреалистическим силуэтом и запоминающимся обликом, сможет украсить любые апартаменты.

Джефф Кунс (США)

Настоящий король китча, Вилли Вонка фабрики искусства! Начав карьерный путь с должности обычного брокера, Кунс воплотил свою заветную мечту: создал арт-фабрику, где он придумывает образы и идеи, а воплощают их в жизнь — многочисленные сотрудники.

Первый успех Кунс приобрёл стандартным маркетинговым способом, который работает на 100% и сегодня. Он создал скульптурную серию сексуальных поз со своей женой (уже бывшей), порно-звездой Чиччолиной. Художник прекрасно понимал, что секс всегда хорошо продаётся. Как и шоу-бизнес. Поэтому не менее популярными стали его скульптуры с Майклом Джексоном.

До сих пор пользуются невероятным спросом и растиражированные фигуры его авторства, которые напоминают надувные игрушки. Но эти хрупкие с виду «шарики» выполнены из керамики, стекла или стали. Кунс идеально воплощает собой образ нового героя арт-мира: отличного художника и ещё более влиятельного маркетолога и бизнесмена.

Zhang Huan «Return of a Prodigal Son (In the Ashes of History)» (2019)

Филип Барлоу

В последнее время по всему Интернету разошлись современные картины художника Филипа Барлоу, которому удалось заинтересовать своим нетрадиционным взглядом на живопись даже самых искушенных зрителей. А уникальность этих картин заключается в том, что он пишет их так, как бы увидел окружающий мир близорукий человек.

Близорукие люди узнают в этих акварелях себя, а счастливчики с хорошим зрением восхищаются оригинальной красотой и солнечной атмосферой картин.

Широкие пятна света, имитация эффекта боке, размытые формы и границы, перетекающие один в другой яркие цвета — эти акварели похожи на неудавшиеся фотографии, как будто фотограф забыл настроить резкость перед съемкой.

Но именно такой подход придает работам художника необыкновенное очарование и позволяет взглянуть на окружающий мир совсем под другим углом. Ведь даже когда мы не видим деталей, а только общие формы и силуэты, смысл все равно не ускользает от нас.

Брайс Марден

США

Творчество этого американского художника можно отнести к минимализму. На раннем этапе он писал цветные геометричные блоки. Причем мог сочетать на одном полотне разные художественные материалы – например, два вида красок. Позже его узнаваемым сюжетом стали извилистые разноцветные линии на монохромном фоне приглушенного оттенка. Большое значение имеет то, как Брайс сочетает цвета – а делать он это умеет. «Чистых» красок тут не найти – сплошные оттенки и полутона. За счет этого картины не выглядят однообразно – каждая вызывает особенные ощущения у зрителя. Все-таки цвет – это практически отдельный визуальный язык, которым американский минималист владеет свободно. А переплетающиеся и запутанные линии (начала и конца которых мы, кстати, не видим, они словно единое целое) выступают как абстрактный элемент. Он позволяет зрителю вложить свой собственный смысл, разглядеть что-то свое или попробовать разгадать, что видит на картине автор. 

View on Instagram

Работы Мардена хранятся в коллекциях Художественного института Чикаго, Национальной галереи искусств в Вашингтоне (округ Колумбия), в галерее Tate в Лондоне и в Kunstmuseum в Базеле, хотя на этом список не заканчивается. На аукционе его полотно The Attended ушло за более чем 10 миллионов долларов.

View on Instagram
View on Instagram

Дадо

Югославец Дадо родился в 1933-м году и умер в 2010-м. На первый взгляд его работы могут показаться совершенно обыкновенными или даже приятными — это из-за выбора цветовой гаммы: многие хоррор-художники выбирают чёрный или красный, а Дадо любил пастельные оттенки.

Но присмотритесь к таким картинам, как «Большая ферма» 1963-го или «Футблолист» 1964-го года, и вы увидите на них гротескных существ. Их лица полны боли или страдания, на телах видны опухоли или лишние органы, или же тела просто неправильной формы. На самом деле картины вроде «Большой фермы» пугают куда больше, чем явный ужас — именно из-за того, что с первого взгляда ничего ужасного в них не замечаешь.

Любители мобильных телефонов

Художник: Бэнкси

Год: 2014

Любители мобильных телефонов (2014) — Бэнкси

Бэнкси — анонимный художник-граффити, который, возможно, внес самый большой вклад в популяризацию уличного искусства. Это граффити появилось в апреле 2014 года на стене, принадлежащей мужскому клубу «Широкие равнины» в Бристоле, который боролся за средства и рисковал быть закрытым. Владелец клуба Деннис Стинкомб перенес граффити в коридор, чтобы не украли. Затем Бэнкси предпринял необычный шаг, написав Деннису Стинчкомбу письмо и подтвердив, что произведение искусства подлинное и что он может сохранить его. Стинкомб продал фреску частному коллекционеру за 403 000 фунтов стерлингов. Граффити «Любители мобильных телефонов» показывает мужчину и женщину, обнимающих друг друга. Однако вместо того, чтобы смотреть друг на друга, они смотрят на свои телефоны. Таким образом, автор комментирует одну из самых распространенных проблем, с которыми сталкивается наше поколение, а именно чрезвычайную важность технологий в нашей жизни, когда люди ценят их даже больше, чем других людей. «Любители мобильных телефонов» — одно из самых известных граффити самого известного современного художника